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Notes de lecture
Culture, esthétique

Agnès Graceffa, dir., Vivre de son art. Histoire du statut de l’artiste xve-xxie siècles

Paris, 2012, Hermann, coll. Art, 318 p.
Jacques-Philippe Saint-Gerand
p. 419-420
Référence(s) :

Agnès Graceffa, dir., Vivre de son art. Histoire du statut de l’artiste xve-xxie siècles, Paris, 2012, Hermann, coll. Art, 318 p.

Texte intégral

1Lors des années 60, un tiers seulement des 60 000 peintres recensés en exercice vit, plus ou moins précairement de son art. Mais, selon le Journal des artistes, ils n’étaient que 350 en 1798, 2 509 en 1838, 3 300 en 1860, cependant qu’ils seraient déjà près de 6 279 (+ 190 %) en 1900. Ces nombres indiquent sans conteste l’essor d’une profession artistique parmi d’autres et attirent l’attention sur un phénomène qui a constamment affecté le champ de l’art, la professionnalisation de ses pratiques et, corollairement, le statut de l’artiste à travers les âges.

2Une manière de rendre compte aussi de la façon dont l’artiste, peu à peu, se distingue et se sépare de l’artisan, depuis la création de la Confrérie des jongleurs et bourgeois d’Arras, à la fin du xiie siècle et celle, en 2009, de la Haute Autorité pour la diffusion des œuvres et la protection des droits sur internet (Hadopi), en passant par les académies, conservatoire(s), le droit d’auteur, le Code de la propriété intellectuelle... C’est à l’étude de ces objets que se sont consacrés 19 auteurs réunis sous la direction d’Agnès Graceffa, historienne, spécialiste de l’historiographie et de l’histoire culturelle.

3Grâce à une judicieuse organisation du volume, est rationnellement couvert l’empan historique de ce développement ainsi que la variété des domaines qui l’ont constitué : théâtre, peinture, musique savante et musique populaire, littérature, danse, cinéma, sculpture, photographie. Et chacune des contributions apporte son lot de documents et de réflexion utiles à la problématisation de la question impliquée par l’intitulé de l’ouvrage : comment a-t-on pu, jadis et naguère, comment peut-on, aujourd’hui, vivre de son art ? Dès le premier coup d’œil, on aperçoit que la méthode historique a été doublée d’une méthode sociologique. Et c’est probablement là que réside le grand mérite de cette étude toujours soucieuse d’offrir des observations tangibles et des inférences justifiées.

4Afin d’éviter d’être fastidieux, au résumé de chacune de ces contributions, on privilégiera plutôt les éléments de convergence qui émanent de chacune d’elles. Le premier de ces éléments est l’interrogation pérenne qui frappe la notion d’artiste à travers les temps. Référée par un terme doté d’une ambiguïté aiguë, cette notion rassemble créateurs et interprètes dans une même classe dont Béatrice Joyeux-Prunel (pp. 5-10) montre bien qu’elle dut faire preuve d’adaptation permanente aux conditions politiques, sociales et économiques du monde environnant. Étudiant les musiciens populaires du Bourbonnais, Jean-François « Maxou » Heintzen (pp. 47-64) exemplifie parfaitement cette caractéristique. Tout comme Marie Bouhaïk-Gironès (pp. 27-36) en donne une autre illustration avec l’organisation du métier d’acteur aux xve et xvie siècles. Un second élément de convergence réside dans l’analyse des difficultés qui caractérisent les relations de l’Artiste à son temps ; que celui-ci soit à l’écoute de ses besoins, comme le montre Sophie-Anne Leterrier (pp. 90-102) à propos des artistes musiciens du xixe siècle, ou qu’il le maintienne au contraire dans une sorte d’insécurité permanente due aux progrès des nouvelles technologies comme Sylvain Maresca (pp. 209-220) l’observe en analysant l’univers incertain des photographes professionnels. Un troisième élément consiste dans l’étude de l’incidence directe de périodes historiques définies sur l’activité des artistes. C’est ainsi que Claire Maingon (pp. 151-165) étudie l’impact de la mobilisation générale et de la guerre de 1914-1918 sur les jeunes artistes de l’époque, prolongeant son étude jusqu’à l’année 1919 et le retour douloureux de la Grande Guerre pour ceux qui lui survécurent. Et que Mathieu Grégoire (pp. 237-250) s’attache à sonder les dessous de l’intermittence indemnisée pour les gens du spectacle en 1979 et 1984. Un quatrième élément fait entrer la dimension internationale dans l’analyse, certes de manière minimale, mais bien réellement tout de même, avec le cas des illustrateurs belges et des écrivains belges francophones lors de l’entre-deux-guerres que traitent respectivement Björn-Olav Dozo (pp. 195-208) et Céline de Potter (pp. 167-181), car cette dimension fait surgir sans détour les limites de l’univers français et notamment un évident aveuglement à l’égard d’esthétiques parfois dérangeantes dans le contexte français et une surdité avérée à l’endroit des besoins de liberté dont nombre d’artistes venus d’horizons divers ne cessent de revendiquer le droit. Un cinquième et dernier élément de convergence relève des études de genre en faisant intervenir dans la présentation la question du sexe des artistes comme l’analysent Catherine Gonnard (pp. pp. 121-138), au sujet de la professionnalisation des artistes femmes, et Delphine Naudier (pp. 221-236), s’intéressant aux écrivaines du xxe siècle dont l’existence même paraît être un trompe-l’œil eu égard à leur présence légitime, ou Hyacinthe Ravet (pp. 265-270) mesurant la place et la visibilité des artistes femmes dans le spectacle vivant.

5Ainsi l’ensemble de ces travaux, abondamment documentés et étayés avec un sérieux sans faille digne du statut d’historien de l’ensemble des contributeurs, propose-t-il une vision renouvelée très éclairante du rôle et du statut de l’artiste à travers les âges. On peut donc mesurer les progrès et les impasses qui ont ponctué la méconnaissance ou la reconnaissance sociale des artistes. À l’orée du xxie siècle, Jérôme Giusti (pp. 271-286) conclut en avouant que, face aux nouvelles technologies, face aux subtilités ou aux imprécisions du Code de la propriété intellectuelle, l’artiste du xxie siècle reste encore à inventer... On ne saurait mieux dire à une époque où le besoin narcissique de reconnaissance, outre les deux aspects évoqués précedemment, donne l’impression à tout un chacun qu’il porte en lui un message à délivrer sous forme de produit artistique parce que son consommateur en fera un produit culturel.

613 illustrations soigneusement choisies, parfois fort rares (René Demeurisse, Le Modèle), sont insérées dans ce volume pour soutenir l’analyse et prolonger l’écho des impressions que suscite cette masse d’informations. Une abondante bibliographie balise enfin le champ de l’étude en permettant de se reporter à des travaux antérieurs sur lesquels ce volume jette donc un jour inédit.

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Pour citer cet article

Référence papier

Jacques-Philippe Saint-Gerand, « Agnès Graceffa, dir., Vivre de son art. Histoire du statut de l’artiste xve-xxie siècles », Questions de communication, 23 | 2013, 419-420.

Référence électronique

Jacques-Philippe Saint-Gerand, « Agnès Graceffa, dir., Vivre de son art. Histoire du statut de l’artiste xve-xxie siècles », Questions de communication [En ligne], 23 | 2013, mis en ligne le 30 septembre 2013, consulté le 23 octobre 2017. URL : http://questionsdecommunication.revues.org/8524

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Auteur

Jacques-Philippe Saint-Gerand

CeReS, université de Limoges, F-87036
jacques-philippe.saint-gerand@unilim.fr

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